El lunes 18 de febrero quedamos a las 18:00 en la Sala de Arte Joven con Maite Angulo para ver la exposición: hacer en lo cotidiano 01 / Sala de Arte Joven
Inauguramos la primera exposición colectiva del proyecto «hacer en lo cotidiano», seleccionado en la IV edición del concurso «Se busca comisario» promovido por la Comunidad de Madrid.
Artistas:
Julio Adán Maite Angulo María Castelló Solbes Julio Falagán Hisae Ikenaga Luján Marcos Begoña Olavarrieta G. Leonor Serrano Rivas Luis Vassallo Velázquez Cabrero
Comisariado por Beatriz Alonso
Partiendo de la potencialidad de transformación de lo existente defendida por Michel de Certeau, «hacer en lo cotidiano» plantea una reflexión sobre la capacidad del arte hoy en día para cuestionar nuestros territorios más cercanos y generar otras posibilidades de habitarlos.
El proyecto se organiza en torno a dos exposiciones colectivas, siete talleres de creación, presentaciones y encuentros con los artistas, un programa de mediación diseñado por Pedagogías Invisibles, y conciertos coincidiendo con la clausura de cada exposición.
Los artistas participantes en esta primera exposición nos descubren los valores políticos, poéticos y estéticos que se esconden en el día a día. Desde lo común y la experiencia compartida, sus obras destacan lo insólito en lo cotidiano, mediante poesía, ironía y humor absurdo. Una manera de llamar la atención sobre aquello que sucede a diario para replantearnos cómo estar de otro modo en la vida cotidiana.
Traigo a colación una humilde declaración de principios del gran arquitecto Luis Barragán: «En proporciones alarmantes las siguientes palabras han desaparecido de las publicaciones de arquitectura: Belleza, inspiración, magia, hechicería, encanto, y también serenidad, misterio, silencio, privacidad, asombro. Todas ellas han encontrado un hogar amoroso en mi alma, y si estoy lejos de pretenderles haberles hecho plena justicia en mi obra, no por eso han dejado de ser mi faro.»
No puedo evitar que en estos días, la sombra de Barragán se transmute en forma musical, y habite sus espacios la hermosa serenidad de la L’Ombra Della Luce de Franco Battiato.
Defiéndeme de las fuerzas contrarias, en el sueño nocturno cuando no soy consciente, cuando mi sendero se hace incierto. Y no me dejes nunca más, no me dejes nunca más. Devuélveme a las zonas más altas, a uno de los reinos de calma. Es tiempo de escapar de estos ciclos de vidas. Y no me dejes nunca más, no me dejes nunca más. ¿Por qué los gozos del más profundo afecto o del anhelo más sutil de pulso sólo son la sombra de la luz? Recuérdame lo infeliz que me siento lejos de todas tus leyes. ¿Cómo no malgastar el tiempo que me queda? Y no me dejes nunca más, no me dejes nunca más. ¿Por qué la paz de ciertos monasterios o la armonía vibrante de todos mis sentidos sólo son la sombra de la luz?
Propongo quedar el martes en la Facultad para cambiar impresiones sobre la exposición «Cartografías» resolver las dudas que hayan podido surgir entre el trabajo en ella y nuestro propio proyecto personal, y como no… brindar por unas fructíferas vacaciones de Navidad. Se admite algún tipo de refrigerio siempre que cumplamos estos dos puntos básicos: 1. Vestiremos todos de negro, con un detalle rojo. 2. Dejaremos el aula como los chorros del oro.
1.El objetivo principal es utilizar la exposición como un modelo conceptual, como una estructura de modos de organización y relación de elementos heterogéneos bajo factores comunes.
2.Como segundo objetivo comprender la importancia de los procesos de formalización que operan entre la extracción de datos de la realidad y los sistemas de representación por la que ésta se comunica.
3.Adoptar una toma posición ante los diferentes sistemas de representación, cartografías, mapas o imágenes entendiendo que éstas nunca son inocentes.
4.Acceder a un archivo de artistas y obras relevantes para nuestro campo.
5.Redirigir algunos aspectos conceptuales de la exposición hacia nuestros propios intereses como artistas, en el ámbito del proyecto personal que presentaremos a finales de enero.
El proyecto será individual o colectivo máx. 2 integrantes, utilizándose el modelo básico explicado en clase.
Sistema de trabajo intensivo en la exposición 5 días hasta Navidad, para tutorías personalizadas cita previa en:
Behind the Gare Saint-Lazare (1932) de Henri Cartier-Bresson.
«Había una valla de madera alrededor de algunas reparaciones detrás de la estación de tren Gare Saint-Lazare. Justo yo estaba mirando por un hueco en la valla con mi cámara de fotos en el momento en que un hombre saltó»
El inmenso placer que te da la poesía de Penna; por ejemplo, esas dos pequeñas líneas que deja caer como si nada:
«Quisiera vivir dormido / en el suave ruido de la vida».
En el catálogo de Alighiero Boetti. Madrid: MNCARS, 2011
«Veo y me olvido, escucho y me acuerdo, hago y entiendo» Proverbio Chino
«Un ave migratoria cruza el cielo… Poco a poco, como tú, me voy haciendo pequeño» Haiku de Ueda Gosengoku.
De una tina (nacimiento) a otra tina (muerte), cuánta palabra inútil.
haiku de Kobayashi Issa (trad.: Orlando González Esteva)
«¿Por qué cuando un ser muestra alguna o mucha necesidad de otro, éste se aleja? Gravedad» Simone Weil
«Cuanto más viejo me hago más cuenta me doy de que hay que trabajar mucho para reproducir lo que busco: lo instantáneo. La influencia de la atmósfera sobre las cosas y la luz esparcida por todas partes» Claude Monet, 1891
Claude Monet:
«La Catedral de Rouen y la torre d’Albane a pleno sol, armonía en azul y oro». 1894. Washington, National Gallery of Art
Claude Monet:
«La Catedral de Rouen, el portal en un día gris». 1892. Paris, Museo d’Orsay
Con las Catedrales Monet va más allá: (…) el edificio no es más que un fondo, una excusa , para mostrar al auténtico protagonista de la composición: la capacidad de la pintura de representar la cualidad dinámica de la luz y el ambiente, que es capaz de dar vida a algo tan pétreo e inanimado como la imponente fachada de la catedral gótica. Lo que Kandinsky había logrado descifrar en los almiares resulta aquí más que evidente. Incapaz -por supuesto- de representar en un lienzo completo un cada fugaz instante, Monet trabajaba en ocasiones simultáneamente con varios lienzos, volcándose en uno en concreto cada vez que las condiciones de luz y ambiente se parecían a la del cuadro en cuestión. Imaginemos por un instante la situación: Claude Monet, instalado frente a la ventana de un segundo piso frente a la Catedral , trabajando frenéticamente con decenas de lienzos, a merced de que una nube pasajera, un fugaz rayo de sol, una niebla matinal le obligara a buscar -si es que existía- el cuadro en el que pudiera centrarse. Por supuesto, tal tarea debía resultar desesperante, y el propio pintor está a punto de abandonar su empresa. Pero no era Monet una persona que se rindiera fácilmente: » Más que nunca aborrezco las cosas que salen bien al primer intento» había escrito mientras trabajaba con los almiares . Monet llega incluso a concluir varios de los lienzos en su taller, fiándose de su portentosa memoria visual. Pero dos años después, la misión estaba cumplida, y Monet poseía ya tres decenas de capturas pictóricas de la Catedral. Así , y por primera vez en la historia de la pintura, se había logrado representar la cuarta dimensión , el tiempo, un logro reivindicado -sin embargo- por numerosas vanguardias varias décadas posteriores al maestro francés.
Olafur Eliasson
«si yo fuera un texto, sería solo un frase; compleja, cristalina y sorprendentemente simple»
«El espacio no existe simplemente en el tiempo, es del tiempo. A menudo, se olvida o se reprime esta condición, pues generalmente la sociedad occidental todavía está basada en la idea de un espacio estático no negociable.
A menudo, se olvida o se reprime esta condición, pues generalmente la sociedad occidental todavía está basada en la idea de un espacio estático negociable.
Cuando se piensa en los entornos como estables, tendemos a perder un sentimiento de responsabilidad por los medios en donde nos movemos. El espacio se convierte en un fondo para la interacción más que en un coproductor de interacción. Lo que se produce es, de hecho, un movimiento doble: la interacción del usuario con otra gente coproduce el espacio que, a su vez, es un coproductor de interacción.
Dado que en general los objetos no son estáticos, tampoco lo son las obras de arte. Éstas existen en múltiples relaciones inestables que dependen tanto del contexto donde se presentan como de la variedad de respuestas por parte de los visitantes.
Hago que la construcción sea accesible a los visitantes con el fin de incentivar su conciencia de que cada obra de arte es una opción o un modelo. De este modo, las obras de arte son sistemas experimentales y las experiencias de éstas no se basan en una esencia que se encuentra en las obras en sí, sino en una opción activada por los usuarios.
Estamos siendo testigos de un cambio en la relación tradicional entre realidad y representación. Ya no evolucionamos del modelo a la realidad, sino del modelo al modelo, al tiempo que reconocemos que, en realidad, ambos modelos son reales. En consecuencia, podemos trabajar de un modo muy productivo con la realidad experimentada como un conglomerado de modelos. Más que considerar el modelo y la realidad como modalidades polarizadas, ahora funcionan al mismo nivel. Los modelos han pasado a ser coproductores de la realidad.
En mi práctica artística trabajo tanto con modelos analógicos como digitales, modelos de pensamiento y otros experimentos que corresponden al modelo de una situación. Todo modelo muestra un grado diferente de representación, pero todos ellos son reales.
La idea de que el mundo consiste en un conglomerado de modelos conlleva un potencial liberador puesto que hace posible la renegociación de nuestros entornos. Lo que tenemos en común es que somos diferentes.
La naturaleza tiene un gran potencial pero es siempre a través de la cultura cuando más me interesa. Por eso me gusta la pintura del Renacimiento, que no entiende el paisaje sólo desde la naturaleza sino también desde la cultura, desde la posibilidad de que cuente cosas sobre nosotros. Me interesa su caracter procesual, espacial y experimental. Al final no me interesa tanto la naturaleza como el hombre.«
“Sueños de silicio” La artista Sachiko Kodamadiseña programas informáticos que envían señales a unos electroimanes que a su vez dibujan las formas en los ferrofluídos. Estas formas suelen ir acompañadas de la música de Philip Glass en algunas ocasiones. En otras ocasiones, sin embargo, son los sonidos de los espectadores u otros grabados por la artista los que crean el ritmo, ya que este tipo de líquidos siguen impulsos externos y se mimetizan a partir de lo que perciben en su entorno.
«Pantalones de pana – su ligero silbido (al andar) por roce de las 2 piernas es una separación infraleve indicada por el sonido. (¿no es un sonido infraleve?)»
«Puertas del metro – La gente que pasa en el último momento infraleve -«
«El calor de un asiento (que se acaba de dejar) es infra-leve»
El chasquido del papel del cigarro cuando arde tras una calada es un sonido infraleve. Son infraleves los movimientos de los dedos durante el sueño, aunque desde luego no todos y no para todos. También lo son las diferentes formas de creer la misma cosa para dos personas distintas o para la misma persona en dos momentos diferentes. Infraleve la silueta de la mano sobre un vidrio cuando no deja suciedad y desaparece, el filo de una hoja de papel y la diferencia de grosor entre dos minas de grafito del mismo-grosor.
Chantal Maillard, en «El árbol de la vida» reflexiona sobre la necesidad de «saberse hierba». Clara lucidez para todo aquello que tenga que ver con la vida, incluso para con el arte, cuando éste no es una impostura. Maillard cita la tesis sobre la vacuidad de Nishida y esto me recuerda la tesis de Calvino en Levedad, cuando habla de lo inmaterial de una descripción versus la pesadez del mundo:
«El ecologismo, a pesar de sus buenas intenciones, no es el mejor camino. Se puede hacer, con respecto a él, la misma reflexión crítica que el filósofo japonés Kitarô Nishida hacía con respecto a la ética de los derechos humanos: tal tipo de ética, decía, es incapaz de resolver definitivamente los problemas del mundo porque pertenece a una forma dicotómica de entendimiento y los problemas entre los seres humanos han de resolverse a partir de la vacuidad, que permite comprender al otro desde lo mismo. Proteger a la naturaleza, a los niños, a los animales, es la expresión del paternalismo propio de una tradición de control y dominio del medio que se ha desarrollado a partir de la idea bíblica de que la tierra está al servicio del hombre, ese ser que se autoproclama superior a todo lo que él mismo define como inferior. Del Génesis a la Tecnología hay una línea directa. […] Hace falta una ecosofía en vez de una ecología. En vez de dominar y proteger, volver a sentir, a oír, a oler incluso, a comprender oliendo, a saber sintiendo. En vez de la pancarta «no tocar» en los «espacios protegidos», la invitación a la hierba, la educación del sentir, la religiosa invitación a saberse hierba y a pisarla como se pisa un templo en Oriente: con los pies descalzos. «No tocar» es la señal de alarma que aparta a los niños de su origen en vez de recordárselo, que nos hace peregrinar por nuestro mundo en un vehículo diáfano como aquellos autobuses en los que los turistas cruzan, como peces en un acuario, los parajes volcánicos de algunas islas. Turistas del mundo de fuera y del interior, nos vamos convirtiendo en depredadores que han olvidado la máxima de sus antepasados los viajeros: ir de lo propio a lo otro para ser lo que eres. […] Lo propio: lo más común, el oikos . Oiko-sophía: saber de lo más propio, del hábitat, lo que nos pertenece no como posesión sino como propiedad, es decir, aquello a lo que ontológicamente pertenecemos. Sophia en vez de logos: saber en vez de conocimiento, integración en vez de discurso. […]
“Lo que intento hacer no es forzar, sino más bien permitir que las fuerzas existentes fluyan hacia la obra. Así que si llueve o hay viento, uso el viento, uso la lluvia, en lugar de tratar de oponer resistencia a estos elementos. Intento trabajar con ellos y ver los problemas como, en realidad, lo más interesante del trabajo. A veces, precisamente lo que ha sido un problema al hacer la obra, resulta ser lo más interesante. Y no debo combatirlo, debo trabajar con ello. Pero inevitablemente hay momentos en los que parece que estoy intentando forzar, y esos momentos son errores. Puedo ser muy perseverante —tengo que serlo para crear las obras—, pero la línea que separa la imposición de la perseverancia es muy fina. Y a veces simplemente no funciona como yo tenía pensado”
Andy Goldsworthy
Ríos y Mareas: Andy Goldsworthy y la obra del Tiempo
Anto Rabzas 